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世界名画里的裸体艺术  

2012-11-11 13:59:46|  分类: 油画 |  标签: |举报 |字号 订阅

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 世界名画里的裸体艺术 - 胡志平 - 老胡
 
       《慈善》
  这是阿道夫·威廉·布格罗创作于1859年的一幅油画,现收藏于美国密歇根大学美术馆。阿道夫·威廉·布格罗是法国19世纪上半叶法国学院派绘画的最重要人物。他以神话和寓言题材的绘画吸引大批追随者。一生获得多种殊荣,成为当时法国最著名的画家。其作品以高度完整、技法全面和擅长表现多愁善感的题材为特征。在人物造型处理上,为了追求高度的优美,舍弃技法创新,维护官方正统的艺术,排斥其他艺术流派,因而被现代批评家指责为保守的画家。
 
 

【收藏】世界油画中那些妩媚绝美的女人(连载五) - 艺海夕照 - 艺海夕照的博客

 

 


世界名画里的裸体艺术 - 胡志平 - 老胡
 
       《着衣的马哈》
  《着衣的马哈》穿一件紧贴身子的白衣服,束一玫瑰色宽腰带,上身套一件黑色大网格金黄色短外衣,暖调子以红褐色为背景,使枕头、衣服和铺在绿色软榻上的浅绿绸子显得分外热烈;而在《裸体的马哈》上,背景减弱了。姑娘的娇柔躯体被软榻上墨绿色天鹅绒的冷调子所加强。据一位研究戈雅艺术的美术史家维尼雅沙说,这幅《裸体的玛哈》是在外光下画的,理由是身体上有灰蓝色的阴影,但另一位研究者则否认此说。着衣玛哈的姿态神情与裸体玛哈完全相同。软质丝绸紧身衣包裹着玛哈的身体,仍然显示出玛哈丰满肉体的魅力,由于含蓄而更具性感。画家充分运用色彩来渲染情感:玛哈身着的白色衣裤,腰间束一玫瑰色宽腰带,上身套一件敞开的黑色大网格金黄色的短外衣,显得高贵、纯洁而热烈。背景的红褐色呈暖色调,与铺在软塌上的浅绿色绸子形成对比,由此可见画家作画时的热情。
 
 
世界名画里的裸体艺术 - 胡志平 - 老胡
 
       《裸体的马哈》
  马哈在西班牙语中是指“姑娘”或“漂亮姑娘”的意思。戈雅所画的“玛哈”是谁,众说不一,至今仍是个迷。这幅《裸体的玛哈》,“玛哈”仰卧于榻上,头枕手臂,微微斜倚,腰肢纤细,按照当时学院派绘画审美的标准来看,她的头略大些,脚尖不合解剖结构,显然是画家有意为之。不论怎样,这幅作品给他带来了极大的声誉。戈雅还绘制了一幅表情、姿态一模一样的《着衣的马哈》。现藏于西班牙马德里的普拉多博物馆。
 
 
世界名画里的裸体艺术 - 胡志平 - 老胡
 
       《镜前的维纳斯》
  女子裸体绘画在17世纪封建专制的西班牙是极其罕见的,这幅《镜前的维纳斯》也是目前我们所能见到的委拉士开兹唯一一幅女性裸体绘画:这悠闲、侧倚的动势,这丰满、健美的身姿,使我们不禁想到威尼斯画派乔尔乔纳《沉睡的维纳斯》;但是,这扭曲而不失端庄的曲线美感,这背向观众而不失生命欲望的青春涌动,这寓世俗美于理想美的表现方式是富有创作性的,也是威尼斯画派中所没有的。这幅画标明了17世纪西班牙艺术家人本精神的觉醒,也标明了17世纪西班牙人文主义精神在绘画上的独特显示。
 
 
世界名画里的裸体艺术 - 胡志平 - 老胡
 
       《沉睡的维纳斯》
  这是乔尔乔内最成功的油画作品,最后由提香完成。作品中的维纳斯展示出造化之美,没有任何宗教女神的特征:在自然风景前入睡的维纳斯,躯体优美而温柔,形体匀称地舒展,起伏有致,与大自然互为呼应。这种艺术处理不是为了给人以肉感的官能刺激,而是为了表现人的具有生命力的肉体和纯洁心灵之间的美的统一。这副画在形体、色彩、柔和的线条和景色的层次上都达到了高度的统一。这种充满人文精神的美的创造,是符合文艺复兴时期理想“美”的典范的。
 
 
世界名画里的裸体艺术 - 胡志平 - 老胡
 
       《维纳斯的诞生》
       维纳斯即古代希腊神话中的阿芙罗狄德,是爱与美的女神。根据希腊神话描述,维纳斯是克洛诺斯把自己的父亲乌拉诺斯的肢体投入海中时,从海中的泡沫中诞生的。15世纪后半叶,佛罗伦萨画派、艺术大师波提切利的《维纳斯的诞生》即表现了这个爱与美的女神诞生时的情景:少女维纳斯刚刚跃出水面,赤裸着身子踩在一只荷叶般的贝壳之上;她的身材修长而健美,体态苗条而丰满,姿态婀娜而端庄;一头蓬松浓密的散发与光滑柔润的肢体形成了鲜明的对比,烘托出了肌肉的弹性和悦目的胴体;风神齐菲尔吹着和煦的微风,缓缓的把她送到了岸边;粉红、白色的玫瑰花在她身边飘落,果树之神波摩娜早已为她准备好了红色的新装;碧绿平静的海洋,蔚蓝辽阔的天空渲染了这美好、祥和的气氛,一个美的和创造美的生命诞生了。
 
 
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       《宫女》
  这是安格尔画的土耳其宫中宫女闺房生活的情景,具有浓郁的东方情调。首先,就新古典主义绘画风格而言它破坏了色彩的“音域”,背景的蓝色与皮肤的淡黄色,人体的明暗与粉红色调等,都显得极不谐调;其次,女裸体态的夸张,成了变形美的试验。就此而言,安格尔显示了自己艺术的独立性和美学信念的独立性。倘若从历史的角度去看,安格尔的探索勇气是值得称道的。
 
 
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       《森林之神与仙女们》
  这是阿道夫·威廉·布格罗创作的一幅充满形式美感的作品。画家描绘了美丽的仙女们与森林之神在跳舞、嬉戏,塑造了充满诗意的神话人物形象及相互关系被刻划得维妙维肖。在森林幽暗的背景前,女裸体被画家以唯美的形式给予完美展示,特别是近景处的那位裸体女郎,背部丰腴柔美,线条流畅,匀称和谐,堪称无可挑剔,炉火纯青。这是一幅弥漫着音乐与诗情的作品,是“回到自然”的浪漫主义杰作。
 
 
世界名画里的裸体艺术 - 胡志平 - 老胡
 
       《泉》
  此画是安格尔裸女形象中最负盛名的一幅,是他自于1820开始的,经近30年才完稿,传说他的助手还帮他绘制此画。是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。安格尔笔下的这个少女纯洁、典雅、恬静、健康、美丽,充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。当时,这幅画引起了人们极大的兴趣,争相抢购。当时有五个买主争执不休,最终被杜夏特尔伯爵买去了,后来他赠给了卢佛尔博物馆。
 
 
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       《仙女》
       布格罗集女性人体美于这一幅画中,罗丹曾这样赞美:“人体,尤其是心灵的镜子,最大的美就在于此,我们在人体中崇仰的不仅是如此美丽的外表,而是那使人体透明发亮的内在的光芒。”布格罗以古典主义的美学观念,运用古典艺术技巧,精致地描绘了理想的美人,她们非人间所有,因此人们称她们为仙女。
 

 

 


 
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    《迷失的仙女》
       这幅《迷失的仙女》是布格罗的作品,还有一个名字叫《迷失的星星》。这幅画的两个名字表示的都是同一个希腊神话。提坦巨人阿特拉斯有七个女儿,因为受到猎人奥利安的追杀,因此被天神宙斯变成了七颗星星。在布格罗的这幅画中,着力表现的是名叫梅洛佩第七位仙女,而把六颗明亮的星星都放在了画面的远景处。这幅构图完美的裸女画所用艺术手法并不“纯粹”。画面主体是一个悬在空中的裸体女性,姿势很像是一个雕塑。1884年瓦拉佟等人成为这幅画的第一批收藏家,并印在了邮票上,变成第七颗星星的仙女名叫梅洛佩,由于曾与凡间的一名男子交欢,感到羞愧,所以发的光就比较微弱了。不过在布格罗的这幅画中,画家选中用于表现的却正是这第七位仙女,因为他把六颗明亮的星星都放在了画面的远景处,而近景里突出的正是这第七颗星。
 
 
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       《幸福的灵魂》
       威廉·阿道夫·布格罗是19世纪末20世纪初艺术界最具影响力的人物之一,他的名言是:“先生!我经常告诉我的学生们,人们必须寻求美和真,必须使作品达到极致。只存在一种画,就是能把毫无瑕疵的美和完善呈现到人们眼前的画,如同委罗内塞和提香的作品一样。”《幸福的灵魂》是他1895年的作品。

 

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世界上最名贵的二十件油画  -  伊水一方 开心屋

 
七、《大宫女》——安格尔

  安格尔在等待去罗马留学的这段时间,曾接受过今属比利时的列日城的一幅订件,为那里画一幅《第一执政波拿巴肖像》,此时正值1803年,即路易十六被处死之后,拿破仑又发动旨在推翻督政府的雾月十八日政变的重要时期。这位第一执政官要实行全国的军事独裁统治,人民无不切齿痛恨。安格尔却应允去完成这样一幅肖像画。1806年,他又画了《拿破仑一世在皇座上》,这后一件作品已是赤裸裸地为庆贺这个军事独裁者称帝而创作的歌颂性作品。安格尔不问政治,却在这两幅画上宣告了自己的立场。当作品于同年在巴黎沙龙展出时,受到了舆论界的冷嘲热讽。

  “人们总以为,沙龙是鼓励绘画的地方,其实不,它给绘画提供的是一条可悲的道路。”1813年,他与玛德莱娜·夏佩尔小姐结婚,总算使他得到一些慰藉。他说道:“夏佩尔是自我牺牲精神的典范,她成为我生活中的安慰。”这时,他除了画神话题材之外,还画了几幅裸体题材的大画,准备送往巴黎再度露面。这一幅《大宫女》(这时法国的贵族上层对具有强烈的东方情调的土耳其内宫生活极感兴趣,一些画家为满足贵族这种视觉需要刻意去描绘土耳其闺房的淫艳生活。安格尔先后画过好几幅土耳其宫女的形象。《大宫女》这一画题是为区别他的另一幅油画《宫女》)就是这时期他描绘裸女题材的代表作之一

  这幅画在巴黎展出时,引起了观众更大的抨击。人们说,作为达维特的学生,安格尔走得太远了。他们讽刺说:“安格尔先生画活人,就象几何学家画固体一样。为使其预算好的线条赋予素描以立体感,他什么事都做了!他把人体的各个局部忽而放大,忽而缩小,就象普洛克鲁斯特床上的俘虏

  传说中的古希腊强盗,缚其俘虏于铁床上,如身长过榻则断其足,如不及则强伸之使与榻等,一样随意伸缩。有时他感到沮丧,便不再去加强这种可诅咒的立体感,开始使轮廓完善。这就叫舍本求末,用刀鞘代替宝剑来决斗评论家德·凯拉特里说得较为中肯些,他曾对安格尔的学生说:“他的这位宫女的背部至少多了三节脊椎骨。”然而安格尔的学生、曾为其老师作传记的阿莫里·杜瓦尔说得就更中肯:“他可能是对的,可是这又怎么样呢?也许正因为这段秀长的腰部才使她如此柔和,能一下子慑服住观众。假如她的身体比例绝对地准确,那就很可能不这样诱人了。”

  这幅《大宫女》就严格的古典风格去要求,确实存在很多“越轨”之处,首先,色彩的“音域”受到严重破坏,背景上很强的蓝色和裸体肌肤的黄色,以及人体的明暗和粉红色调极不谐调,其次是前面所说的夸张了的形体,这个女裸体几乎成了变形美的一种试验,它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解,他说:“我并不想说,安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定,他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。”

  安格尔似乎在这幅画上显示了自己在自然面前的独立性,但由于安格尔的美学信念的坚定性,这里的表现反而给人们造成对他的见解的模棱两可性,攻击与批评是在所难免的。从历史的角度去认识,我们觉得安格尔具有他的探索勇气,尽管他所画的这个人物是有着很大的虚构性。

  此画约于1814年完成,为91×162厘米。现藏巴黎卢浮宫。


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